<![CDATA[into the jazz]]>

<![CDATA[into the jazz]]> http://blog.paran.com/intothejazz ko <![CDATA[Jake Langley]]> http://blog.paran.com/intothejazz/34832545

.]]> Wed, 18 Nov 2009 09:55:16 +0900 <![CDATA[부산 사격장 사고]]> http://blog.paran.com/intothejazz/34832471 정운찬 총리가 사고 현장에 직접내려가 희생자가족들에게

무릎꿇고 진심어린 마음으로 사과한 것은 정말 잘 한 일이다.

덕분에 한일관계가 특별히 악화되지 않게 됐다니 더 더욱 다행이다.

그런데 이런 자세의 10분의 1만이라도 용산희생자들에게 보였다면 어땠을까?

아마 국내 쓸데없는 갈등은 없지 않을까...

정부에 반대하는 이들을 지하철 구석 구석 집입해 폭력으로 진압하는 무장경찰들을 보면

어느나라 경찰인지 의문이 들때가 한 두번이 아니다.

Pragmatism을 외치는 MB admin 이여...

진정한 Pragmatism이 뭔지 아는지 묻는 것도 이젠 지겹다.

너거덜 얼굴보면 내가 다 쪽팔리다.

"창피한 줄 알아야지~!"

]]> Wed, 18 Nov 2009 09:48:25 +0900 <![CDATA[[홍세화칼럼] 내 친구 미누를 돌려 달라]]> http://blog.paran.com/intothejazz/34578864 http://www.hani.co.kr/arti/SERIES/114/382972.html

내 친구 미누. 본명은 미노드 목탄. 1972년에 네팔에서 태어나 스무살 갓 넘은 1992년에 한국에 왔다. 지금 38살. 20대와 30대를 거의 모두 한국에서 보냈다. 내 뇌리에 에펠탑과 센강이 각인되어 있듯이 미누의 머릿속엔 남산과 한강이 있으며, 나의 제2의 고향이 프랑스인 이상으로 미누에게 한국은 제2의 고향이다. 그는 지금 화성 외국인 보호소에 갇혀 있다. 한국 법무부는 내 친구 미누를 ‘보호’하지 말고 부디 나에게, 우리에게 되돌려 달라.

내가 미누를 친구라고 부른 것은 선언도 아니고 과장도 아니다. 나는 그를 자주 만났다. 명절 때 잠깐 만나는 웬만한 친척들보다도 자주 만났고, 지금 총리가 된 동기동창을 비롯하여 여느 동창생들보다 더 자주 만났다. 집회 현장에서도 만났지만, 남산 어귀 이주노동자의 방송국(MWTV)에서 만났고 내가 참여하는 ‘학벌 없는 사회’ 송년회에 축하 공연을 하러 온 ‘스톱 크랙다운’의 일원인 그를 만났다. 또 내가 출입국관리국 서울사무소 앞에서 쓸쓸히 일인시위를 할 때 얼굴에 함박웃음을 머금고 카메라를 들고 찾아온 그를 만났다.

그를 아는 사람은 그의 미소를 기억할 것이다. 그는 나에게 인간의 티 없는 미소가 무엇인지 보여준 진짜 친구다. 우리가 성장 신화의 채찍질 아래 줄달음치면서 잃어버린 원초적인 인간의 미소를 그는 간직하고 있었다. 대학 간판과 명함, 자산의 크기가 인간을 압도하는 사회, 온갖 계산으로 약삭빨라진 사회에서 국적까지 다른 그와 나는 다만 인간으로 만나 친구가 되었다. 그는 지금 강제퇴거명령을 받아 언제 추방될지 모르는 상황에 놓여 있다.

미누는 한국이 좋았다. 한국에 온 뒤 노동운동, 미디어운동에 참여하여 이주노동자의 권익 신장을 위해 노력했고, 인권과 다문화 관련 활동으로 차별 없는 사회를 꿈꾸고 실천했다. 외국인 예능대회에서 대상을 받아 문화부 장관 감사패를 받기도 했다. 한국 법무부는 내 친구 미누가 그동안 어떤 활동을 했든지 상관없이 미등록 상태이기 때문에 법에 따라 처리할 수밖에 없다고 주장한다. 그러나 한국 사회가 미누를 받아들이지 않는다면 한국 정부가 외치는 다문화 구호는 물론 실용의 기치도 거짓에 지나지 않는다. 만약 나에게 한국과 프랑스를 잇는 민간 가교 구실을 조금이라도 인정해줄 수 있다면, 실용은 응당 미누가 맡고 있는 한국과 네팔을 잇는 민간 가교 구실을 인정해야 할 것이기 때문이다.

한국 법무부가 법 적용을 주장한다면 나에게 진 빚부터 갚아야 한다. 기약 없는 이방인의 삶, 언제 귀국할 수 있을지 알 수 없던 나와 국내 가족, 그리고 친지들은 여러 차례 한국 법무부에 나에 대한 공소시효가 언제 끝나는지, 망명 기간이 공소시효 기간에 포함되는지 등을 물었다. 그러나 이른바 문민정부 시절의 법무부도 책임 있는 답변을 해주지 않았다. 결국 87년에 공소시효가 만료되었다는 걸 확인해준 것은 그 10년도 더 지난 98년의 일이었다. 한국 법무부가 법에 따라 책임 있는 답변을 해주었더라면 나는 귀국을 10년 앞당길 수 있었던 것이다! 한국 법무부에 묻는다. 그 10년 동안 국내 가족과 친지와 떨어져 있게 한 빚을 내 친구 미누를 되돌려주는 것으로 조금이라도 갚으라는 내 요구가 지나친가?

사적인 사연을 꺼낸 것을 용납해주기 바란다. 그만큼 절박한 심정이다. 두 손 모아 빈다.

내 친구 미누를 추방하지 말라. 그의 미소, 그의 노래를 우리 안에서 활짝 꽃피우게 하라.

홍세화 기획위원hongsh@hani.co.kr

]]> Sat, 31 Oct 2009 14:37:22 +0900 <![CDATA[마지막 칼럼]]> http://blog.paran.com/intothejazz/34558733 마지막 칼럼

지난 2003년 여름 당시 음악칼럼을 쓰고 있었던 정재헌씨로 부터 연락이 왔다. 개인 사정으로 더 이상 글을 쓸 수 없다면서 내게 글을 부탁했다. 당시 다른 매체에 음악관련 글을 쓰고 있었던 나로서는 많은 고민후 음악에 대한 이야기를 하고자 글을 쓰기로 결정하고 지금까지 벌써 7년이란 시간동안 음악관련 글을 써왔다. 이제는 본지의 개편과 맞물려 펜을 내려놓아야 할 시점이고 아쉽지만 이번주 칼럼은 마지막 글이다.

본지에 처음 글을 썼던 7년 전과 지금은 많이 다르다. 지난 반세기 우리 사회에 가장 커다란 변화를 주도한 것은 역시 87년 민주화, 1997년 말 IMF 외환위기, 그리고 2002년 월드컵이다. 그중 2002년 월드컵은 당시 IMF외환 위기로 암울했던 우리사회 모든분야에 패배주의에서 벗어나 할 수 있다는 자신감을 우리에게 줬다. 또, 고질적인 ‘사대주의’에서 서서히 벗어나는 중요한 역활을 해왔다. 그리고 그 시점에 필자를 포함해 예술문화계 모든 사람들이 이른바 ‘문화강국’이라는 구호를 외치며 문화적 자주성과 발전을 도모하는 움직임을 너나 할 것없이 사방에서 본격적으로 시작한다. 그리고 2010년을 앞두고 있는 지금 우리는 예술문화적으로 비약적인 발전을 이뤘다. 대중 역시 그런 문화를 적극적으로 즐기는 모습이 참 보기 좋다. 필자같은 사람이 더 이상 할 말이 없는 상황이다. 좋은 일이다.

우리 밴쿠버 이민사회는 한국내 상황과는 조금 다르다. 우리는 스스로 문화적으로 풍요롭고 선진화 된 환경에 살고 있다고 한다. (필자는 이에 동의하지 않는다.) 하지만, 실제로 예술문화를 삶속에서 직접 즐기고 사는 이민자 또는 유학생들은 많이 없는 듯 하다. 여러 이유가 있다. 먼저 타국생활이 외롭고 또 언어적으로 소통이 자유롭지 않는 상황에서 여러가지 다양한 예술문화를 찾고 체험한다는 것이 쉽지 않다. 또, 한국과 달리 이 곳은 신문이나 방송등에서 적극적으로 선전이나 프로모션을 하는 것도 아니다. 어디서 언제 무엇을 하고 있는지 도무지 알 수 많다. 동기부여가 없다. 더 나아가 이런 것을 맘것 즐기기엔 정신적으로 타국생활이 그리 여유롭지 않다. 이런 타국생활을 하고 있는 이민자와 유학생들에게 음악관련 소식을 전하고 그외 다양한 정보를 제공함으로 동기를 유발하는 것이 나의 주된 목적이었다. 다행인 것은 최근 밴쿠버에서 음악을 비롯 여러 다양한 문화활동이 늘어 났고 그 중요성 역시 점 점 커지고 있다는 사실이다.

그동안 써온 글을 보면 대략 3가지로 나눌 수 있다. 첫째 정보를 중심으로 쓰는 이른바 Reference Writing, 둘째 논쟁과 문제제기 형식의 Explorative Writing, 그리고 개인적 주장을 펴 독자를 설득하는 Persuasive Writing이고 비율은 5: 3: 2 정도였다. 많은 공연소식과 후기 그리고 연주자들과 그들의 음반을 소개함으로서 독자들이 음악에 보다 더 친숙해질 수 있기를 바라며 많은 글을 썼지만 많이 어렵고 여전히 쉽지 않다는 반응이 많이 있었다. 생각하면 나 역시 일반 대중의 시각에서 너무 멀어져 어디가 일반대중의 눈 높이인지 모르고 글을 쓴 적이 대부분이었던 것 같다. 문제제기와 나의 주장이 들어가 있는 것 역시 너무 전문가의 시각에 초점을 맞춘 것이 아니냐는 반응을 많았다. 결과적으로 지난 7년간 과연 내가 하고자 하는 일을 제대로 했는지 스스로 반성하고 고민할 때가 많이 있었다. 동시에 많이 부족함에도 불구하고 늘 많은 격려와 힘을 주신 여러 독자들에게 감사의 표시를 꼭 하고 싶다.

사실 지난 7년간 얻은 것은 거꾸로 필자가 더 많았던 것 같다. 매주 글을 쓰면서 알게 모르게 스스로 많은 공부를 했다. 지식과 경험이 마르지 않도록 음악관련 뿐 아니라 사회 및 인문과학분야의 많은 책을 접했고 경험을 최우선시 하는 음악 역시 다양한 양질의 경험을 위해 많은 노력을 했다. 밑천이 마르지 않는 노력은 나도 모르게 내 일상이 돼 버렸고 이런 습관은 아마도 남은 내 평생에도 계속 될 것 같다. 가장 중요한 것을 얻었다.

물론 반대로 잃어버린 것도 있다. 첫째, 사회성이 급격히 떨어졌고 7년이 지난 이제는 어떻게 사회생활을 해야하는지조차 기억이 나지 않느다. 글을 쓰면서 이렇게 특히 한인사회와는 완전히 거리를 두고 살아왔다. 독자들과 소통을 원하는 글쓴이가 사람을 만나기 꺼린다는 사실이 나 역시 참으로 이해하기 쉽지 않다. 굳이 변명을 늘어 놓자면 불필요한 오해를 살까 크게 우려하는 마음이 사람을 만나도 오래 대화하지 않는 습관을 만든 것 같다. 실제로 글을 쓸때도 오해를 줄이기 위해 불필요한 형용사와 부사를 쓰지 않는 편이다. 더 나아가 문장 역시 경어체가 아닌 Plain Sentence를 사용했다. 글을 쓰면서 언론계 종사하는 사람들이 자꾸 주위를 살피고 조심스러하는지 그들의 입장을 조금이나마 이해하게 됐다.

‘펜은 칼보다 강하다’라는 말이 있다. 해석에 따라 뜻을 달라질 수 있다. 필자는 이 말을 글을 ‘글은 신중하게 써야한다’는 말로 해석한다. 지난 7년동안 매주 써온 나의 글로 상처를 받은 독자들이 적잖히 있으리라 생각한다. 본의아니게 상처받은 분들이 혹시 있다면 지면을 통해 이렇게 정중히 사과드린다. 또 많은 음악선배들에게 누가 되지 않았기를 바란다. 음악은 지식과 기술로 하는 것이 아니라 역시 마음과 경험으로 하는 것이다. 이제 30대 중반이 막 된 필자가 이런 저런 글을 쓸때마다 음악계 많은 선배들에게 큰 실례가 되지 않았을까 늘 걱정이 많았다. 마지막으로, 부족한 내게 글을 쓸 수 있게 기회는 물론 많은 배려와 관심을 가져준 본지 모든 분들께 감사의 말씀을 전한다.

이제 제 원래 자리로 돌아왔습니다. 캐나다 사회내 늘 노력하는 연주자와 교육자가 되기에 보다 더 힘쓰고 또 한인사회내 역시 전과 달리 활발한 음악 및 여러 활동에 힘쓰겠습니다. 그동안 ‘이상준의 음악세계’를 사랑해 주신 독자분들께 감사드립니다.

]]> Fri, 30 Oct 2009 05:58:34 +0900 <![CDATA[위법]]> http://blog.paran.com/intothejazz/34558727 아무리 헌법재판의 결정이라지만...위법을 합법으로 따라야 한다는 건 정말 이해하기 힘들다.

도대체 상식적으로 납득이 가야지...이건 뭐...

이래서 어느 누가 법을 준수하겠나...

사법질서부터 바로잡아야 하는 거 아닌가...

웃기지 않은 코메디

]]> Fri, 30 Oct 2009 05:55:31 +0900 <![CDATA[표절 (2)]]> http://blog.paran.com/intothejazz/34505582 표절 (2)

표절에 대한 이야기를 계속하자. 음악 또는 예술문화분야에서 표절을 명백한 범죄 또는 그 당사자를 범법자로만 보는 것은 문제의 핵심을 푸는데 충분치 않다고 본다. 기술적 판단이 힘들 뿐 아니라 표절의 핵심은 기술적 판단과 해결에 있지 않다. 더 나아가 한 예술가로서의 자존심과 양심에 금이 가는 치명적인 것 다시 이야기하면 도덕적 윤리적인 접근이 더 바람직해보인다. 아주 어려운 이야기다. 물론 표절로 인해 표절의 대상이 된 작품이 금전적 또는 그 외 기타 다른 사회적 피해를 당했다면 그 것은 범죄행위로 봐야한다. 필자는 사실 서로간의 기술적인 해석보다는 표절을 한 사람의 예술적 양심과 자존심에 초점을 맞추고 있다. 진정한 음악가는 자기 자신의 음악적 자존감을 크게 가져야한다.

음악 및 모든 예술문화는 자기 작품으로 자기 생각과 철학을 상대와 소통 , 교감하는 것에 밑바탕을 두고 있다. 따라서 남의 작품으로 상대와 커뮤니케이션은 있을 수 없는 일이다. 이미 예술가로서 자존심과 자기 정체성을 잃어버린 사람들이다. 필자는 그들을 제조업 공장에서 일하는 직원으로 분류하지 예술가로 생각하지 않는다. 그들은 다른 사람이다. 사실 모두가 다 아는 이야기다. 그럼에도 불구하고 표절은 인간사회에 사라지지 않고 오히려 더 많이 일어난다. 왜 그럴까? 이번 주는 뿌리치기 쉽지 않은 표절의 유혹과 배경에 대해 이야기하려 한다.

우리가 흔히 요즘의 음악가들은 과거의 음악가들을 못따라간다는 말을 많이 한다. 이상한 일이다. 몇백년동안 인간사회가 발전하고 더 나아가 과거와 달리 일반 사람들도 배울 수 있고 또 교습법 역시 크게 발전했다. 실제로 모짜르트나 베토벤 또는 바하같은 큰 인물들이 나오지 않고 있다. 아주 신기한 일이다. 덕분에 그들은 몇 백년동안 인류역사의 최고의 음악가로 역사에 기록되고 있다. 많은 양질의 분석이 있다. 필자는 그 중 가장 큰 원인을 너무 빠쁘게 돌아가는 우리사회에서 큰 원인을 찾는다. ‘시간이 돈’ 이라는 이야기는 필자가 초등학교 들어가기도 전에 들었으니 벌써 몇 십년 이상 된 것 같다.

그렇다. 이렇게 우리 인간사회는 너무 빠르게 돌아가는 동시에 해야할 일이 너무 많다. 그리고 피가 터지는 경쟁까지 한다. “먼저 치고 나가는 사람이 ‘장땡’ 이다.”라는 말이 있을 정도이다. 이건 기록경기도 아니고... 게다가 또 잘 먹고 잘 살아야한다. 이런 환경에서 차분하게 앉아서 자기음악세계를 구축한다는 것은 매우 힘든일이다. 너무 빠르게 변한 인간세상과 많은 요구에 시달리는 우리 현실이 그 유혹의 가장 큰 원인이다. 자기 음악세계를 구축할 시간은 없고 해야 할 일은 많고 안 하자니 내가 죽는, 이런 환경에서 표절이 존재하는 것은 자연스럽다. 다시 이야기하면 오늘날 예술가로서의 자기 자신을 끝까지 지키고 나아간다는 것은 매우 힘든 일이다.

또 다른 원인은 다양한 사고와 문화가 존중받고 있지 않은 우리의 현실이다. 우리는 다양성을 외치고 있으나 우리가 실제로 다양성을 추구하는지 의문이다. 이 것은 동양과 서양을 구분 할 것 없이 마찬가지다. 아이러니한 것은 우리가 다양성을 외치는 동시에 늘 ‘효과와 효율’를 강조한다. 사실 ‘효과와 효율’과 ‘다양성’은 어딘가 서로 궁합이 맞지 않아보인다. 그리고 다양성을 목이 터지게 외치나 실제로 존중하지 못하는 큰 이유는 바로 ‘효과와 효율’이라는 우리 현대 삶의 철학에 있다.

우리는 서구 사회가 우리와 다르게 다양성이 크게 존중받는다고 생각하지만 필자의 견해는 조금 다르다. 다양성은 이들이 구축해 놓은 시스템의 범위 안에서만 존중을 받는다. 그외의 다양함은 외면과 격리의 대상이다. 그리고 그 시스템의 범위는 생각 외로 상당히 좁다. (특히, 짧은 역사로 종교, 도덕과 윤리 보다 강력한 법과 같은 기술적인 방법으로 사회를 운영해 온 온 캐나다는 더 더욱 그렇다.) 우리 동양은 이런 구체적이고 기술적인 기준은 없으나 한중일 모두 오랜 역사와 문화로 각 국의 것과 다른 것에 인색한 것은 우리가 다 아는 사실이다.

다양성이 존중되지 않으니 다수의 의견과 분위기를 살피는 것은 자연스런 일이다. 나는 남과 다른데 나만의 예술적 표현에 대한 막연한 두려움이 앞선다. 학교에서 아이들을 가르치면서 늘 목격하는 것이 아이들의 작품이 다 비슷비슷하다는 것이다. 초등학생임에도 그런 의식이 깊게 깔려있는 듯 하다. 창의적인 작품을 하라고 매 번 강조는 하나 실제로 창의적인 작품이 인정을 받지 못하면 누가 그것을 용기내서 하겠는가. 어떤 것이 정말 다양한 건지 구호만 외칠 것이 아니라 진지하게 생각하고 고민해 봐야 할 시점이다.

표절의 마지막 배경은 역시 게으름과 조급함이다. 결국 본인에게 있다. 자기 자신의 세계와 다양성이 크게 존중받지 못한 환경이라고 표절이 정당화 될 수 없다. 배가 고프다고 빵을 훔친 이가 정당화 될 수 있겠나? 음악이라것은 자기의 작품으로 무대에서 청중과 교감하는 것이다. 여기서 중요하는 것은 ‘무대’에서란 말이다. 당연히 무대 위에서 뭔가 잘하고 싶고 큰 박수와 인정을 받고 싶은 것은 어떤 예술가나 마찬가지다. 그리고 그 무대와 박수는 마약과도 같다. 무대위의 박수와 함성은 정말 어는 것과 비교할 수없다. 하지만 그것은 자기의 작품을 위해 존재하는 것이지 자기를 위해 존재하는 것이 아니다. 작품보다 순간적인 자기와 자신의 위치에 집착하고 조급해지는 순간 자기 자신이 크게 무너질 수 있다. 게다가 자기관리에 실패하고 게을러지기라도 하면 표절은 그들에게 주어진 유일한 탈출구이다.

필자는 표절에 관련한 기사나 일을 목격할때마다 많은 생각을 하게 된다. 단순히 “저 사람이 이 사람 곡을 베꼈네…” 가 아니라 그 사람의 예술적 자존감과 환경 그러니까 표절의 자의적 타의적 원인을 자연스레 생각하게 된다. 그리고 그 많은 원인들은 단순히 그들만의 원인이 아니라 바로 내가 살아가는 환경속에 존재한다는 것을 알 수 있다. 그리고 필자 역시 표절을 할 수 있는 충분한 잠재적 가능성을 가지고 있다는 것을 부인 할 수 없다. 누구나 표절이란 주제에서 쉽게 자유로울 수 없다.

필자가 최근 한가지 크게 놀란 것이 하나가 있다. 필자가 아주 오랜동안 심혈을 기울여 만든 ‘Lonely’라는 재즈곡이 있다. 하지만, ‘I Can’t Get Started’라는 곡과 비슷하다는 것을 주위의 친구를 통해 알았다. 표절의 기술적인 범위인 4마디보다 적은 2마디만 흡사하다. 하지만 분위기나 느낌이 상당히 비슷하다. 의도 된 표절은 아니나 같은 모티브를 가지고 풀어간 곡이라 느낌 역시 비슷하다. 표절로 봐도 된다. 오랜시간을 두고 쓴 곡이지만 미련없이 버렸다. 표절은 이렇게 남의 이야기가 아니다. 특히, 자신이 음악가 또는 예술가라면 스스로 표절에 대해 자유로운지 늘 점검해야 한다. 진정한 음악가 또는 예술가가 된다는 것은 우리가 사는 환경에서 말처럼 그리 쉽지 않다.

]]> Mon, 26 Oct 2009 16:58:28 +0900 <![CDATA[표절]]> http://blog.paran.com/intothejazz/34325253 표절

몇주전 한국의 어떤 대중가수의 표절문제가 수면으로 올라왔다. 꽤 오랜만이다. 우리가 기억하기로 90년대 한참 표절문제가 심각했었다. 이른바 아이돌이라고 하는 가수들의 히트곡의 대부분이 표절이었다고 해도 무방할 정도로 표절이 판을 쳤던 시대였다. 특히 우리와 비슷한 정서와 문화를 가지고 있는 일본음악은 표절의 가장 큰 대상이었다. 외국의 음악을 쉽게 접할 수 없었던 당시에는 이런 비양심적인 묻지마식 표절이 가능했고 특히 돈과 큰 역학관계가 있었던 대중음악계에서는 표절문제가 어느음악분야보다 더 심각했다. 하지만 인터넷의 발전으로 이제는 전 세계 어느 곳과 비교해도 가장 다양한 음악을 접할 수 있는 좋은환경으로 우리사회는 변했다. 그리고 이런 변화는 점차 우리 사회에서 표절을 근절하기 시작했고 어느 누구도 표절을 쉽게 할 수 없게 됐다. 생각해 보면 음악계에서 표절문제가 수면위로 다시 올라온 것이 정말 오랜만이 아닌가 싶다. 물론 여전히 반갑지는 않다.

신문기사를 읽어보니 문제가 된 가수의 소속사 입장은 스타일이 비슷한 것이지 표절이라고 할 수는 없다고 하는 것 같다. 대중들은 명백한 표절이라고 주장하는 쪽도 있고 그렇지 않다고 하는 쪽도 있는 것 같다. 필자는 사실 대중음악에 관심이 없어 그 문제의 노래를 들어본 적도 없고 또 표절을 했다는 그 외국곡을 들어보지도 않았다. 솔직히 그다지 듣고 싶지도 않다. 이번 주 필자가 하려는 이야기는 그 문제의 노래와 소속사에 대한 공격이 아니라 ‘표절’이라는 문제가 불거진 김에 표절에 대한 이런 저런 포괄적인 이야기를 하고자 한다.

먼저 표절문제는 비단 우리만의 문제가 아니라 전 세계 어는 곳에서도 종종 접할 수 있는 문제이다. 인간이 존재하는 곳엔 표절은 늘 존재한다. 다만 그것이 정도와 범위의 문제이다. 이런 면에서 우리는 예전에 비해 그 기준이 굉장히 엄격해졌다. 말이 나온김에 표절에 대한 판단기준에 대해 이야기하자. 어떤 곡이나 연주를 두고 표절이다 아니다를 명백히 판단 할 수 있는 기준이 과연 있는가는 참 어려운 문제이다. 예술이라는 것이 법(Law)같은 기술적인 기준과 해석으로 접근하기가 쉽지 않다. “곡의 4마디 또는 8마디 이상 ‘베끼기’를 하면 표절이다”라는 기술적 기준으로 표절을 판단한다는 것은 매우 어렵다. 거꾸로 해석하면 정해진 마디 수보다 적게 ‘베끼기’를 하면 표절를 피해갈 수 있다는 이야기다. 과연 그럴까? 이것은 곡마다 다르다. 음악에서 표절을 기술적으로 판단한다는 것은 매우 어렵다. (기술적 판단이 힘들다는 것은 기술적 해결 역시 쉽지 않다는 것을 의미한다.)

그럼 어떻게 판단해야 할까? 필자는 음악이 소통이라는 전제를 두고 늘 언어와 비교를 한다. 표절문제도 언어적으로 보면 보다 더 쉬운 판단 기준 또는 접근이 가능하지 않을까 생각한다. 우리가 글을 쓸때 여러 다양한 표현과 문장을 사용한다. 그리고 작문실력은 기본적으로 ‘읽기’를 통해 향상된다. 글을 잘 쓰려면 책을 많이 읽어야 한다는 이야기는 누구나 어릴때 부터 많이 들었을 것이다. 독서를 통해 다양한 단어와 표현을 습득할 수 있고 많은 지식을 통해 자연스레 글을 쓸수 있는 많은 정보를 가질 수 있다. 실제로 필자의 경우 표현과 문장력을 독서를 통해 꾸준히 키워나가는 편이다. 또, 필자가 쓴 글 속의 많은 표현들은 읽었던 책속에서 접하고 배운 것들이 대부분이다. 그럼 표현과 문장이 흡사하단 이유로 표절로 판단해야 할까? 아마도 대부분의 사람들이 표현과 문장이 비슷하단 이유로 논문 또는 글을 베꼈다 또는 표절했다고 말하는 사람은 거의 없을 것이다.

논문표절의 핵심은 표현과 문장의 방식이 아니라 역시 내용과 글의 전체적인 흐름이다. 매우 전문적인 논문이나 글은 일반사람들이 표절여부를 판단하기 힘들겠지만 일반적인 글의 경우는 누구나 ‘베끼기’를 한 것인지 아닌지 단번에 알 수 있다. 베낀 글은 흐름이 자연스럽지 않고 어딘가 모르게 짜임새가 좋지 않다. 그리고 표현과 문장역시 일관성이 다소 없는 것을 알 수 있다. 한가지 더하면 글의 구체적인 주제를 파악하기 힘들다. 이것은 본인이 직접 자기 생각을 담은 글이 아니기에 당연하다.

음악 역시 마찬가지로 ‘듣기’에서 부터 시작한다. 듣지 않고 음악을 한다는 것은 있을 수 없는 일이다. 많은 책을 읽어야 글을 잘 쓸 수 있듯 많은 음악을 듣고 경험해야 좋은 음악을 만들 수 있다. 많은 음악적 어휘와 표현력을 다양한 음악을 통해 습득하고 또 음악적 영감을 얻는 일은 이렇게 듣기에서 부터 시작한다. 또 많은 연주자 또는 작곡자들의 작품을 보면 표현과 방식이 비슷한 것을 알 수 있다. 특히 같은 시대 또는 장르의 음악이라면 그 정도는 더 심하다. 우리는 이것은 스타일의 문제이지 표절의 문제로 보지 않는다. 글의 문장과 표현이 비슷하다고 표절이라고 보지 않은 것과 마찬가지다.

음악역시 표절의 핵심은 표현과 방식이 아니라 내용과 전체적인 흐름이다. 표절한 곡은 느낌이 자연스럽지 않고 다소 어색한 것을 쉽게 알 수 있다. 몇 마디가 비슷하고 아니고의 산술적 또는 기계적인 판단의 여부가 아니라 느낌으로 그것을 알 수 있다. 또 어떤 이야기를 하려하는지 구체적인 음악적 주제와 짜임새가 약하다는 것을 쉽게 알 수 있다. 이것은 표절의 대상으로 삼은 것으로 판단되는 곡과 비교하면 더 더욱 잘 알 수 있다.

표절이 의심되는 곡은 분명한 이유가 있다. 그 이유를 우리가 법과 같은 기술적인 방법과 기준으로 찾고 판단 할 수 없다. 하지만 사람의 ‘감’은 아주 묘하다. 기술적으로 판단이 불가는 한 것을 느낌으로 알 수 있다. 이것은 전문가의 영역이 아니라 모든 사람이 느낄 수 있다. 오히려 전문가보다 일반사람들의 느낌이 더 정확할때가 많이 있다. 표절의 판단은 어떤 누가 하는 것이 아니라 각자 본인이 표절이 의심되는 곡을 표절의 대상으로 삼았던 곡을 들으면서 스스로 하는 것이다. 당신이 듣고 느낄때 표절이면 그 것은 100% 표절이다.

]]> Fri, 16 Oct 2009 07:17:12 +0900 <![CDATA[블루스를 바탕으로 둔 연주자 #12: Jimmy Smith]]> http://blog.paran.com/intothejazz/34160649 블루스를 바탕으로 둔 연주자 #12: Jimmy Smith

이번 주는 약속한대로 블루스를 바탕으로 둔 오르갠연주자 Jimmy Smith를 소개한다. 재즈에서 볼 수 있는 오르갠은 우리가 클래식음악에서 흔히 볼 수 있는 파이프오르갠같은 덩치가 큰 악기가 아니라 일반 가정용으로 쓰이는 upright 피아노정도의 크기인 Hammond 오르갠이다. 언뜻 듣기에 과연 오르갠이 재즈와 어울릴까하는 의문이 든다. 필자 역시 처음 재즈오르갠을 들었을때 그 느낌이 다소 어색했지만 동시에 오르갠만의 주는 그 느낌이 굉장히 좋았다. Jimmy Smith는 재즈오르갠의 아버지라고 불린다. 현재 활동하는 모든 재즈 오르갠연주자들이 Jimmy Smith에게 영향을 받았다고 해도 과언이 아니다.

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jimmy smith

그의 프로필을 보자. 그는 1928년 펜실베니아주 필라델피아에서 태어났다. 특별한 음악레슨을 받은 적이 없었지만 그는 부모님으로 부터 피아노를 배우고 독학으로 음악을 배워나간다. 워낙 음악에 커다란 재능을 가지고 있었던 그는 어느누구보다 더 빠르게 성장해나간다. 필라델피아는 뉴욕과 함께 수 많은 훌륭한 연주자들이 있다. 그들의 연주를 보면서 그는 큰 꿈을 가지고 무섭게 배워나갔다. Hamilton School of Music과 Ornstein School of Music에서 피아노를 전공한 후 1951년이 되는 해에 그는 본격적으로 오르갠을 연주하기 시작한다.

음악적으로 워낙 뛰어난 그는 필라델피아에서 활발한 활동을 했고 그에 대한 소문은 인근 뉴욕에까지 퍼져나간다. 뉴욕에 가보기도 전에 그는 뉴욕에서 큰 별이었다. 때문에 뉴욕데뷔는 당시 최고의 연주자들만 서는 Café Bohemia에서 이뤄졌다. 성공적인 데뷔를 마치고 그는 주로 뉴욕에서 활동한다. 1950년대 후반 그는 재즈레이블 Blue Note와 계약을 한다. 그리고 기타리스트 Kenny Burrell, 트럼펫 연주자 Lee Morgan, 그리고 알토색소폰연주자 Lou Donaldson등과 함께 거의 뉴욕을 중심으로 미국내 전국을 돌며 매일 연주를 한다. 이후 1960년대는 또 다른 재즈레이블 Verve와 계약을 통해 기타리스트 Wes Montgomery와 함께 이른바 Dynamic Duo라는 이름을 가지고 활동한다.

1970년대에는 LA에 있는 클럽을 인수해 본인이 직접 경영에 참여해 비지니스세계에 뛰어든다. 그리고 또 다시 Blue Note와 계약으로 클럽공연은 물론 재즈페스트벌 등 크고 작은 무대에서 연주를 한다. 그의 전성기는 1950년대와 60년대라고 하지만 그는 1980년대와 1990년대 역시 왕성한 활동을 한다. 철저한 자기관리를 통해 연주 또한 변함없이 관객을 실망시키지 않았다. 2005년 아리조나 Scottsdale에서 세상을 달리할때까지 그의 음악에 대한 열정은 식을 줄을 몰랐다.

마지막으로 그의 음반을 보자. 지금 필자가 글을 쓰면서 듣고 있는 1960년 ‘Back at the Chicken Shack’과 1958년 ‘The Sermon’은 그의 명반으로 손 꼽힌다. Lee Morgan, Kenny Burrell, Lou Donarldson그리고 George Coleman이 함께 하는 음반들이라 오르갠연주뿐 아니라 다른 연주자들의 훌륭한 연주역시 들을 수 있다. 같은 1958년에 발매된 Cool Blues 역시 그의 블루스연주를 제대로 들을 수 있는 명반으로 손꼽힌다. 라이브 음반은 1972년 ‘Root Down’ 과 1957년 Grooving at Small Paradise가 있고 기타연주자들에게는 역시 Wes Montgomery와 함께 한 1966년 음반 Dynamic Duo를 추천한다.

]]> Fri, 2 Oct 2009 02:09:22 +0900 <![CDATA[박자와 그루브(Groove) [2]]]> http://blog.paran.com/intothejazz/34160616 박자와 그루브(Groove) [2]

기본기의 중요성을 우리는 잘 알고 있음에도 불구하고 이상하게 그것에 많은 시간을 할애하는 연주자는 의외로 많이 없는 듯 하다. 지난 주에 이야기했듯 박자와 그루브는 특히 재즈란 음악에서는 어느것보다 더 중요하다. 많은 사람들이 재즈는 굉장히 학구적이고 이론적인 음악이라고 잘못 생각하는 경우가 있다. 많은 이론과 역사공부 그리고 엄청나게 많은 양의 음악을 들어야 하는 것은 사실이다. 하지만 보다 더 중요한 것은 이론적인 연주가 아닌 그 느낌을 알고 표현하는 것이다. 그 느낌은 이론에서 나오는 것이 아니라 박자에서 오는 ‘흥’ 바로 그 그루브(Groove)에서 오는 것이다.

필자는 밴쿠버에서 많은 연주자들을 만나면서 의문점이 한가지 있다. 우리가 잘아는 Miles Davis, Wes Montgomery, Ray Brown 등 수 많은 재즈거장들을 좋아한다는 연주자들을 많이 만날 수 있다. 아니 단순히 좋아한다는 수준을 넘어서 경배하는 수준이다. 재즈 베이시스트 Ray Brown와 Paul Chambers는 대표적인 스윙감이 좋은 연주자로 손꼽힌다. Wes Montgomery역시 어려운 이론적인 연주가 아닌 느낌을 바탕으로 한 대표적인 기타리스트이다. 필자역시 Wes Montgomery의 곡을 많이 채보한 결과 그는 철저히 스윙느낌과 블루스에 바탕을 둔 연주자이다. 사실 이론적으로 그의 연주를 굳이 분석하면 틀린 연주가 많이 있다. 하지만 그 느낌으로 연주를 하기때문에 이론적으로 틀린 연주도 근사한 재즈로 들리는 것이다. 이론보다 박자와 그루브가 더 중요하다는 것을 우리는 Wes Montgomery의 연주를 통해 학습할 수 있다.

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Ray Brown

하지만 이런 그루브와 블루스바탕으로 연주하는 거장들을 경배하는 연주자들은 당연히 거장들의 그 모습을 닮아가는 것이 당연하다. 하지만 정말 그들이 거장들의 연주를 진정으로 이해하고 좋아하는 것인지 궁금하지 않을 수 없다. 스윙이라는 느낌과 블루스를 완전히 배제하고 오로지 이론에 집착하는 연주자가 많이 있다. 그럼 왜 그런 거장들을 좋아한다고 그 소란을 피우는 걸까. 남들이 훌륭하다고 하니까 또 그런 거장들을 아는 척하고 또 좋아해야지 재즈를 아는 사람으로 인정받기에 그러는 걸까. 그런 반응을 이해하기 쉽지 않다. 그들을 경배하는 수준이라면 특히 일반